Studium der Räusche: Ich glaube, dem damals in Deutschland allgemeinen und tiefbegründeten Bedürfnis, aus der Realität in die siedenden Kessel des Rausches zu stürzen, mit einer gewissen Systematik nachgekommen zu sein. Die Sucht nach dem Rausche ist das Bestreben, sich zeitweilig dem Bösen zu vermählen, um ihm Kräfte für die Entfaltung, für die größere Ausspannung und Distanz des geistigen Lebens zu entziehen; und die Pflanze spielt die Rolle der Vermittlerin. So ist es nur logisch, daß man in dem für Menschen von Kultur unbewohnbarsten Lande der Welt, in Nordamerika, den Genuß des Weines verboten hat und auch den des Tabaks. Wo Zufriedenheit und Nützlichkeit regieren, wo Geld die beste Gabe Gottes ist und wo man es auch vollauf hat, da ist es freilich ein Verbrechen, die Stimme der Dämonen zu beschwören. Dort, wo man unzufrieden, wo man in Gefahr ist, da kann man sich nicht mehr darauf beschränken, um die berühmte Fingerbreite vom rechten Wege abzuweichen, sondern man kehrt ihm völlig den Rücken. In Zeiten der Krankheit, der Niederlage werden die Gifte zum Medikament. Die Not macht das Leben tief, es setzt sich unter Temperatur, um zu intensiverer Arbeit fähig zu sein. Der Mensch, der Wert auf seine Erlebnisse legt, wie sie auch immer seien, und der sie als Teile seiner selbst nicht im Reiche der Dunkelheit zurücklassen will, erweitert den Umkreis seiner Verantwortung. Diesen Umkreis zu verringern, ist aber gerade das Bestreben der modernen Humanität. Daraus ergibt sich ihre Wertung des Rausches; sie schätzt seine narkotische Seite, das Chloroform, sie scheut die stimulierende, etwa das fließende Blut. Die moderne Humanität, diese Similisonne des Menschentums, sie ist ein Traum, aber einer ohne Farben und Bilder, einer der langweiligsten Träume, auf die man je verfallen ist, ein Traum, wie ihn ein Straßenbahnpassagier um drei Uhr nachmittags träumt. Sie ist eine Angelegenheit der Straßenbahnpassagiere überhaupt. Es ist unmöglich, an ihr teilzuhaben, insofern man, ja schon insofern man die fehlende halbe Flasche Sekt im Leibe hat. Ernst Jünger

Gefördert von der Lotto-Stiftung, Berlin

Zu einer Zeit, da man in Andorra sich für bessere Menschen hielt, hat ein Lehrer seinen unehelichen Sohn als gerettetes Judenkind ausgegeben – Mitleid und Zuwendung waren dem Jungen gewiß. Inzwischen allerdings hat sich der Wind gedreht. Auf einmal gilt ein Jude als ungeliebter Außenseiter, und Andri wird aus seinem kindlichen Weltvertrauen in abgrundtiefes Mißtrauen gestoßen. Man hämmert ihm solange ein, daß er „anders“ sei, bis er das selbst glaubt. Sogar dann noch, als sich herausstellt, daß er eigentlich gar nicht „anders“ ist. Aber da ist es längst schon zu spät...
Aber was heißt das eigentlich: Außenseiter? Wie „anders“ muß man sein als alle anderen, um als Außenseiter zu gelten? Was ist „anders“? Braucht man Außenseiter? Wie wird man „anders“ und ab wann ist man es? Frisch fragt danach, wie wir zu dem werden, wie wir sind. Und: Könnten wir nicht auch ganz anders sein?

Antigone lehnt sich auf gegen die Ordnung der Mächtigen, sie lehnt sich auf gegen das, was König Kreon befiehlt: Kreon führt, seiner Gier folgend, einen Eroberungskrieg gegen Argos. Seinen Neffen Polyneikes, Antigones Bruder, der aus der Schlacht floh, läßt Kreon er­morden und seinen Körper unbestattet liegen. Er statuiert ein Exempel, um seine Macht zu behaupten, um die letzte Schlacht zu schlagen und um die bestehende Ordnung zu stützen, seine Ordnung. Doch eben die stellt Antigone in Frage. Sie begräbt ihren Bruder heimlich. Eher will sie rechtlos sein, als daß sie treulos ist. Eher folgt sie der Ordnung der unteren Welt, als der Ordnung Kreons.
Bertolt Brecht bearbeitete das Stück von Sophokles in der Übersetzung von Hölderlin 1948 nach seiner Rückkehr aus dem amerikanischen Exil. Er erzählt eine Geschichte, in der die Menschlichkeit groß aufsteht.
1968 lud Helene Weigel den jungen George Tabori zu den BRECHT-DIALOGEN ins BERLINER ENSEMBLE ein. „Dort fand ich reine Perfektion, eine unvergleichliche Einheit von Form und Inhalt, die so schwer zu machen ist. Für mich begannen an jenem Morgen der Held und die Heldin zu sterben, der große Mime, der Star und andere Supermänner und -frauen.“ Seitdem war George Tabori bereit, neue Wege zu entdecken, die Phantasie eines Menschen zu entwickeln und nicht die Tricks des Schauspielers.
George Tabori forscht in diesem geheimnisvollen Stück Brechts nach der „Einfachheit, die so schwer zu machen ist“ und nach den Menschen in Brechts Figuren.

George Tabori erweist sich wieder als Zauberer.
Der Tagesspiegel

Tabori will keine fremden, fernen Figuren auf der Bühne, sondern Menschen, die verstehbar sind.
Neues Deutschland

Lieder, Balladen, Gedichte, Duette und Geschichten, die von unterschiedlichsten Themen berichten und von unterschiedlichsten Figuren: so von der Hanna Cash, von dem Orge, von den preiswerten Lyrikern, von Buddha Gothama, der Mutter Beimlein mit dem Holzbein oder dem Mann in Violett.
Neben einigen Hits gibt es viele weniger bekannte Texte.
Die Vorträge leben nicht von einem „Stil”, was Brecht haßte, sondern von der Beglaubigung durch Erfahrungen, von Biografien. Hier von denen zweier erfahrener Schauspieler, die zum ersten Mal in einem Brecht-Abend zusammen auftreten.

Beim Vortrag von lyrischen Texten stand ich immer zwischen der Weigel und dem Schall. (Mit beiden habe ich als junger Mensch viele Brecht-Programme in aller Welt gemacht.) Die Weigel war immer für striktes Vorlesen. „Das sind Brechts Worte, nicht meine.” Schall trat dafür ein, die Texte zu spielen. „Man muß etwas zu den Texten hinzutun. Sonst kann man sie sich ja allein zu Hause vorlesen.” Ich versuchte, von Fall zu Fall vorzugehen. Und das versuche ich auch heute noch.
Manfred Karge

1943 richtet der französische Dichter, Zeichner, Regisseur, Schauspieler und Theatertheoretiker Antonin Artaud, Insasse der pychiatrischen Anstalt von Rodez, einen Brief an Adolf Hitler „zur erinnerung an das romanische café in berlin an einem nachmittag im mai 1932.“
Tom Peuckert, 1962 in Leipzig geboren, erzählt in diesem Monolog die Erinnerung Artauds an eine fiktive Begegnung mit Adolf Hitler. Deutlich wird Artauds luzider Angriff auf das abendländische Denken, auf die Trennung von Kunst und Leben, aber auch der „abscheuliche Zufall“ (Artaud) einer imaginierten Identifikation. Ein Abend zwischen größter Komödiantik und abgründigstem Wahnsinn.

Wuttke, am Berliner Ensemble schon seit Jahren als grandioser Arturo Ui zu bewundern, schenkt dem Theater am Schiffbauerdamm erneut einen schaurig-schönen Abend.
Mannheimer Morgen

Dem Regisseur Paul Plamper ist eine kluge, spannungsreiche Umsetzung des Textes gelungen...Das Publikum im Berliner Ensemble jubelte.
Frankfurter Allgemeine Zeitung

Die großen politischen Verbrecher müssen durchaus preisgegeben werden, und vorzüglich der Lächerlichkeit. Denn sie sind vor allem keine großen politischen Verbrecher, sondern die Verüber großer politischer Verbrechen, was etwas ganz anderes ist.“
Brecht

Heiner Müllers legendäre Inszenierung mit Martin Wuttke: schon über 350 Vorstellungen im BE!

Mit jeder Faser, mit Mimik, Gestik, Intonation und Körpersprache macht Wuttke den Wahnsinn des Arturo Ui spürbar.
Berliner Morgenpost

La obra rebasó las expectativas y arrancó los más generosos aplausos y vítores de la variopinta asistencia, compuesta por el público común, artistas del teatro y la television, y personeros del ámbito cultural – la ausencia en el palco presidencial fue notable, tal vez para evitar un cacerolazo „oligarca”.
TalCual, Caracas 2002

An irresistable night of theatre.
San Francisco Chronicle,
Berkeley 1999

„20 Jahre nach der Uraufführung:­ das feuergefährliche Benzin auf dem Dachboden, das unser Gottlieb Biedermann riecht und das ihn ängstigt und das er als Haarwasser deklariert, hat sich inzwischen vermehrt: es reicht für einen Weltenbrand.” So schreibt Max Frisch 1978. Und wiederum sind 30 Jahre vergangen.
Die burleske Geschichte vom Gottlieb, der seine Leiche im Keller hat und doch ein guter Mensch sein will. Ja, mit kleinen, feigen Falschheiten nicht nur sich selbst, sondern alle Welt mit sich in den Abgrund zieht. Sie ist schon ein kleiner Klassiker geworden. Doch, obwohl mit viel Witz und Ironie erzählt, wird dieses „Lehrstück ohne Lehre” auch heute noch seine Brandspuren hinterlassen...

Ein hochaktuelles politisches Stück! Gut, es in den Spielplan des Berliner Ensembles aufzunehmen.
Neues Deutschland

Sybel und Jack haben sich in den Teufelskreisen und in dem Lösen des gordischen Beziehungsknoten ihrer Ehe erschöpft. Sybel ist traumatisiert. Für sie ist Jack ein Mörder, ein Blaubart, der Wolf. In ihren Träumen und Tagträumen mutiert er zu einer männlichen Bestie und einem bestialischen Mann. Nach außen hin lebt sie mit ihm weiter in der gleichen Wohnung, gibt vor, die Ehe retten zu wollen. Beide versuchen, sich in Rollenspielen wieder einander anzunähern. Sie reiben sich aneinander, um sich eine Chance zu geben. Aber die Rollen, die sie ihm zuweist, sind ein Echo ihrer Albträume. Jack streift ihre Projektionen wie Häute ab und lehnt sich dagegen auf, ein anderer sein zu müssen in dem dunklen Märchenwald ihrer Ängste. Albtraumgeplagt wie Sybel will er sie mit der nackten Wahrheit konfrontieren. Aber vielleicht läßt sich die Wahrheit als Kinderspiel finden, mit verschlossenen, verbundenen Augen, nach dem schnellen Kreisen und Gedreht-Werden um sich selbst. Und nach dem Suchen, Stolpern, Kriechen schlägt man endlich auf eine Brust und hört, ob das Herz klingt und preisgibt, was es verbarg. Aber vielleicht ist die Wahrheit auch jener Blaue Spiegel der Wasseroberfläche, der bricht, wenn das von seiner eigenen Reflexion erschrockene Gesicht in den Spiegel hinabtaucht. BLAUE SPIEGEL ist eine bürgerliche Tragödie und ein Horrortrip, ein böses Märchen und Rätsel, in dem jedes Erwachen ein neues Fallen ist und jede Lösung eine neue Verstrickung. Hinter jeder Tür wartet ein Geheimnis, hinter jedem Geheimnis eine Tür. BLAUE SPIEGEL ist eine Versuchsanordnung über unsere Wahrnehmungs- und Wahrheitsmuster. Traum und Wirklichkeit sind unentwirrbar miteinander verstrickt. Ruhe und Wahnsinn sind nicht zu trennen. Das Stück ist ein Kaleidoskop mit vielen Facetten; ist work-in-progress, dessen endgültige Form erst während der Proben entsteht und wie Fragen und Suchbilder bis zum Schluß und darüber hinaus offen bleibt.

Thomas Bernhards Lust am Pawlatschen- und Brettl-Theater schenkte dem Theater eine Reihe von originellen Dramoletten, so schließlich die drei Dramolette „Claus Peymann verläßt Bochum und geht als Burgtheaterdirektor nach Wien“, „Claus Peymann kauft sich eine Hose und geht mit mir essen“ und „Claus Peymann und Hermann Beil auf der Sulzwiese“. Thomas Bernhard widmete diese Dramolette realen Figuren und schuf gleichzeitig durch die komödiantische wie groteske Zuspitzung geradezu typische Prachtexemplare des allgemeinen und besonderen Theaterwahnsinns. Claus Peymann und Hermann Beil sind eine authentische Besetzung, wie sie nicht authentischer sein könnte, und treten in einer szenischen Lesung erstmals auf als der Theaterberserker Peymann, als das legendäre Fräulein Schneider, als der ewig „natürlich“ sagende Dramaturg Beil und als Dichter dieses irrwitzigen Theatergelächters selbst.

Was für ein Spaß! Was für ein Abend!
Die Presse

Ein Furioso. Waren das Zeiten, als es noch große Direktoren gab, über die große Dichter kleine Stücke schrieben.
News

In Granada nimmt Doña Rosita Abschied von ihrem Verlobten, der nach Südamerika fährt. Sie verspricht, auf seine Rückkehr zu warten. – Die Jahre vergehen. Uneingestanden verabschiedet sich Rosita allmählich von der Hoffnung, daß ihr Verlobter, trotz seiner Beteuerungen, zurückkommen wird. – Wieder Jahre später. Rosita sieht sich gezwungen, endgültig Abschied zu nehmen von ihrer Illusion der unverbrüchlichen Liebe. Der Verlobte hat geschrieben, daß er seit acht Jahren verheiratet ist. Sie versinkt in dem „entsetzlichen Gefühl, eine gestorbene Hoffnung aufrecht erhalten“ zu haben.
Doña Rosita blüht und verwelkt wie die „Rosa mutabilis“, die veränderbare Rose, die morgens rot ist, mittags leuchtet, nachmittags weiß wird und in der Dämmerung abstirbt. Onkel, Tante und Haushälterin sehen aufgeregt und entgeistert zu.

Die DREIGROSCHENOPER und das BE – Robert Wilson und Bertolt Brecht – Mackie Messer und der Mond von Soho... spannender kann eine Premiere – auf der Bühne, auf der 1928 die Uraufführung von Brechts wüsten Jugendwerkwerk stattfand – kaum sein. Jonathan Peachum betreibt einen äußerst florierenden Handel mit der Ausstattung von Bettlern. Das Geschäft mit den „Ärmsten der Armen“ läuft sehr gut. Doch dann erfährt er, daß seine Tochter Polly heimlich den Gangsterboss Mackie Messer geheiratet hat. Peachum tobt. Die einzige Lösung: Man muß Mackie an den Galgen bringen. Trotz Pollys Warnung verläßt der frischgebackene Ehemann die Stadt nicht, sondern besucht wieder einmal die Huren von Turnbridge. Eine von ihnen, Jenny, liefert ihn prompt ans Messer. Seine Hinrichtung scheint unabwendbar, bis ein „reitender Bote“ der Königin erscheint und Mackies Freilassung sowie seine Erhebung in den Adelsstand verfügt.

Nach Büchners LEONCE UND LENA (2003, Musik: Herbert Grönemeyer) und Shakespeares WINTERMÄRCHEN (2005) hat Robert Wilson Brecht/Weills Klassiker DIE DREI­GROSCHENOPER im BE inszeniert.

Ein Wunder! Mit dem Gefühl, etwas nie Dagewesenes gesehen zu haben, steht man drei Stunden wieder in der regennassen Berliner Nacht.
Neues Deutschland

Berlin hat endlich den Musical-Hit, auf den es so lange gewartet hat.
Spiegel-online

Und wir dürfen erregt rufen: Wilsons frappierend zarte, vornehmlich im Piano-Ton kammermusikalisch fein witzig ziselierte sowie elegant expressionistisch und überraschend minimalistisch zelebrierte „Dreigroschenoper“ dürfte zum Schönsten, Trefflichsten, Entstaubtesten gehören, das wir je sahen an Produktionen dieses allerorts gegebenen Klassikers.
Welt am Sonntag

Gefördert von der Lotto-Stiftung, Berlin

Die vierzehnjährige Wendla brennt darauf zu erfahren, wie die Kinder zur Welt kommen. Doch ihre Mutter verweigert aus Schamgefühl sexuelle Aufklärung und näht der Tochter statt dessen vorsichtshalber ein langes Kleid. So begreift Wendla nicht was mit ihr geschieht, als der gleichaltrige Melchior sie auf dem Heuboden verführt und schwängert. Die Mutter sorgt für eine illegale Abtreibung und Wendla stirbt daran. Auch Melchiors Schulfreund Moritz ist in Not. In der Schule droht er sitzenzubleiben und seine erwachende Sexualität überwältigt ihn. Vertrauensvoll bittet er Melchiors Mutter in einem Brief um Hilfe, als die ausbleibt, sieht er gar keinen Ausweg mehr und erschießt sich. Die Lehrerkonferenz stellt als Ursache für den Selbstmord die „Aufklärungsschrift“ fest, die Melchior ihm geschrieben hatte. Melchior fliegt von der Schule und wird in die Erziehungsanstalt gesteckt, flieht und gelangt auf den Friedhof, auf dem Wendla und Moritz begraben liegen. Moritz erscheint, den Kopf unter dem Arm, und versucht, Melchior in den Tod zu locken. Doch eine geheimnisvolle Gestalt – der „vermummte Herr“ – taucht auf und bringt Melchior dazu, sich für das Leben zu entscheiden, damit er endlich erfährt, was das Leben alles zu bieten hat.
Heute wie vor 100 Jahren: Es fällt nicht leicht, erwachsen zu werden. Das Stück von Frank Wedekind wurde 1906 zum ersten Mal in Berlin gespielt . Es zeigt den schwierigen Aufbruch junger Menschen ins Leben. In Wedekinds Kindertragödie werden die Jugendlichen von den Erwachsenen mit ihren Problemen alleine gelassen. Ganz auf sich gestellt, bewegen sie sich direkt auf die Katastrophe zu.

Ein Freund misstraut dem Freund, der gerade aus dem KZ entlassen wurde. Haben ihn die Nazis vielleicht „umgeschult“?
Eltern fürchten sich davor, von ihrem Sohn, einem Hitlerjungen, denunziert zu werden.
Erst sind es Zweifel, dann Misstrauen und schließlich Angst, die ein junge Frau befallen, seit ihr Liebhaber in die SA eingetreten ist und dumme Reden schwingt: „Sage nicht, du bist unverändert. Du bist es nicht. Das steckt ja so an.“
Der Fall ist klar. Aber der Amtsrichter, eifrig bestrebt, sich nach dem Willen der SA oder der SS oder der NSDAP zu unterwerfen, weiß weder wie, noch wem er „Recht“ geben soll. Etwa doch dem jüdischen Angeklagten? Was dann?
Der Nachbar denunziert den Nachbarn. Die brutalen Folgen kann er nicht mit ansehen. Er widerruft. Das macht auch ihn verdächtig.
Die jüdische Frau verabschiedet sich 1935 von ihren Freunden und Bekannten, um zu fliehen. Sie will ihrem „arischen“ Ehemann nicht im Wege stehen.
Endlich wieder Arbeit und sei es in der Rüstungsindustrie. „Herrgott, es gibt doch nichts mehr, was nicht für den Krieg ist!“

Ein einzigartiger Zyklus von Szenen aus dem Leben in der (braunen) Diktatur. Angeregt von Augenzeugenberichten, Zeitungsnotizen und eigenem Erleben schildert Brecht den Alltag in Nazi-Deutschland. Er zeigt auf, wie sich unter Druck die Beziehungen zwischen den Menschen „verrenken“, wie er sagt. „Das Ungeheuerliche, zugleich das Wertvolle, liegt darin, dass Brecht zeigt, wo der Verrat beginnt und wie: immer ganz unscheinbar, fast unfassbar. Es ist ein Stäubchen von Lüge, von Verrat, von Furcht, nur ein Stäubchen,“ schrieb Max Frisch nach dem Besuch einer Aufführung in Zürich.

GESEGNETE MAHLZEIT ist George Taboris letztes Stück, es war seine fünfte Uraufführung und seine elfte Inszenierung am Berliner Ensemble. Tabori nennt die drei Szenen seines Stücks „Gedichte“. Mit diesen drei Szenen „Frühstück“, „Mittagstisch“, „Abendmahl“ sind zugleich Tagesablauf wie allgemeine Lebenssituationen gemeint, grotesk zugespitzt. Geburt, bürgerliches Heldenleben, Abschied und Tod. Kafka und Beckett, Taboris literarische Hausgötter, haben die Szenen wohl inspiriert, aber sein einzigartiger Humor hat sie erfunden. Dirty Don und Professor Geil sitzen „freundlich fressend“ am Tisch bis ihnen schließlich der Appetit vergeht. Lady Milena und Amanda Lollypop, Musen und Rätselfiguren, begleiten Dirty Don in seinem phantastischen Lebenslauf. Oberkellner Nana und ein dramatur­gischer Koch sorgen für die Menüfolge.

Tabori verhüllt und offenbart in seinen drei „Gedichten“: Wie in einem zarten Reigen tauchen Figuren und Motive aus seinem Werk auf, halb real, halb imaginär. Figuren auf der Suche nach dem Glück. Naturgemäß ist diese „Mahlzeit“ auch eine Folge von Pannen und Zufällen. Mit feiner Ironie, mit gelassenem Witz, tupft George Tabori das Bild einer „Mahlzeit“ zu einem Lebensbild. Es ist die melancholische Meditation eines 93-jährigen Theatermanns, dessen Heimat „ein Bett und eine Bühne“ war, deswegen ist das Bett der Mittelpunkt der Bühne, in dem Dirty Don aus unruhigen Träumen erwacht und hellwach weiterträumt.

„Eine formidable Uraufführung. Nur ein paar lose Seiten aus Taboris lebenssatten Memoiren und randvollen Schreibtischschubladen zusammengekehrt, frischer als die meisten Befindlichkeitsmessungen, die aufschäumende Jung-Dramatiker mit Welthaltigkeit verwechseln.“
Frankfurter Allgemeine Zeitung

Ein Schmuckstück, reich und reif, witzig und ernst. Ein beglückender Abend!
Westfälischer Anzeiger

Gott kommt in allen meinen Stücken vor. Ich könnte nicht über ihn schreiben, wenn ich nicht an ihn glaubte“, sagte einmal George Tabori. In seinem Theaterstück DIE GOLDBERG-VARIATIONEN ist Taboris Gott der Theaterregisseur Mr. Jay, der für eine Theateraufführung die Erschaffung der Welt probiert und obendrein das Alte und Neue Testament inszeniert. Die ewigen Pannen der Schöpfung versucht sein Assistent Goldberg zu verhindern. Und da für George Tabori Pannen das Schönste am Theater sind, entstand eines seiner schönsten Theaterstücke – voll Witz und Tiefsinn, voll Humor und Weisheit. Eine wahrhaftige Tabori-Variation, also eine nicht ganz so göttliche Komödie.

Durch Taboris vergnüglich respektlosen Umgang mit dem Heiligen platzt jedes falsche Pathos vom Gegenstand ab. Wir dürfen einen frischen Blick auf ihn werfen und die alten Geschichten mit freigelachtem Gehirn neu hören.
Berliner Zeitung

Zwei Jungs haben sich geprügelt und der eine hat dem anderen einen Zahn ausgeschlagen. Nun treffen sich die Eltern, um in aller Ruhe und vernünftig über den Vorfall und die Konsequenzen für die beiden Buben zu sprechen. Aber es ist gar nicht so einfach herauszufinden, wer der Schuldige ist, wer den Streit angezettelt hat. Und sind nicht gar Alain und Annettes Eheprobleme Auslöser für das ruppige Verhalten ihres Sohnes? Die Situation zwischen den Paaren wird immer angespannter. Nach und nach offenbaren sich immer neue Details ihres angeblichen harmonischen Familienlebens. So hat Michel den Hamster seiner Tochter heimlich ausgesetzt und der Anwalt Alain telefoniert ständig, weil er einen Pharmakonzern mit einem gesundheitsschädlichen Medikament vertritt. Aus Sticheleien werden Wortgefechte, die sogar in Handgreiflichkeiten münden. Und so nimmt der Nachmittag unter zivilisierten Menschen unserer westlichen Gesellschaft einen, gelinde gesagt, unangenehmen Verlauf.

Was wir sehen, ist der Traum jedes Theaters. Die Erfolgsautorin Reza trifft auf Jürgen Gosch, den Regisseur, der seit ein paar Jahren reihum entzückt. Maertens, Kirchhoff, Nest und Lysssewski spielen völlig entfesselt. Die Widererkennung ist gross, das Störpotenzial klein, der Glamoureffekt riesig. Eine Uraufführung, ein She-Star, ein Könner, vier Top-Schauspieler. Ein langer Applaus.
Tages-Anzeiger

Dem Regisseur Jürgen Gosch ist zusammen mit vier hochkarätigen Menschendarstellern das Kunststück gelungen, uns, dem Publikum, einen nur ganz leicht verzerrten Spiegel vorzuhalten, in dem wir unsere Verhaltensmuster wieder erkennen – und daran unseren Spaß haben.
Deutschlandfunk

Zunächst steht ein männliches Ich im Zentrum, gespalten in differente Perspektiven auf die eine Welt. Die Substanzen öffnen den Raum, der Teufel markiert sein Revier. Jetzt die Droge, das Symposion, ein neues Gegenüber, die Frau! Wer sind die Frauen in Goethes Faust? Sie sind viele, sie haben ein Ich, eine Umgebung. Sie sind der Kontext, das System, das Opfer und die Täterin und in den Augen des Gelehrten Faust immer ein und dieselbe. So handeln sie im Raum der Beliebigkeit und führen mit Fleiß und Routine die Tragödie zu ihrem bitteren Ende.
Einar Schleef hat es formuliert: die Frauen sind es, die die Drecksarbeit auf der Bühne übernommen haben. Sie opfern sich für das Drama des Mannes. So auch in diesem Faust, – jede für sich.

Die schönheitstrunkene Atmosphäre, das sagenhaft Schimmernde, seltsam unwirklich und obendrein die Nachtzeit – all dies dem Theateralltag so verführerisch Entrückte signalisiert einen Clou. Oder Coup, für den drei Namen stehen: Wuttke, Faust, Goethe. Peng!
Die Welt

Der Schauspieler Martin Wuttke hebt an zur halsbrecherisch hochtourigsten aberwitzigsten Faust-Performance, die wir je sahen...Freilich, ein tolldreister Witz, ein furioses philosophisches Entertainment für Kenner und Liebhaber des Artifiziell-Extraordinären!
Berliner Morgenpost

Eines verbindet sie alle: Wilhelm Buschs berühmt-berüchtigte Gestalten sind kleine, böse Helden des Alltags: tollkühn, phantasievoll und ängstlich zugleich – Zeitgenossen wie Du und ich! Böse Buben, fromme Mädchen, dumme Onkel, schräge Tanten, Lehrer, Witwen, Schneiderlein... unendlich ist das Busch-Personal.
„Der klugen Leute Ungeschick stimmt uns besonders heiter,
Man fühlt doch für den Augenblick sich auch einmal gescheiter.”

Eine temporeiche Busch-Revue mit den „Highlights“ des bekannten Autors, in dessen unvergesslichen Verse stets die Lust am Makaberen – manchmal auch Sadistischen – durchblitzt. Doch auch weniger bekannte Texte, melancholische Reflexionen, skurrile Spielereien und verblüffende Aphorismen kommen zu Gehör.
„Dummheit, die man bei andern sieht, wirkt erhebend aufs Gemüt.”

Durch den Kosmos ganz eigener Art führt Jutta Ferbers (Regie und Bühne) im „Pavillon“ des Berliner Ensemble so vergnüglich wie nachdenklich mit einer kleinen Wilhelm-Busch-Revue...Die gelungene Umsetzung von Literatur für die Bühne ist auch für (größere) Kinder ein Augen- und Ohrenschmaus.
Märkische Oderzeitung

Nach dem frühen Tod ihres Mannes Max schlüpft Ella Gericke kurzerhand in seine Rolle, um dessen Arbeitsstelle zu behalten. Die Jahre vergehen und die ehemals fixe Idee schreibt ihre Lebensgeschichte. Quer durch die Wirren der deutschen Geschichte.

"Hurra! Jetzt brilliert Swetlana Schönfeld. Als Ella-Max Gericke ist sie ein geradezu verzweifelt schillernder Mix aus gewitzt saftigem Kerl, melancholisch lebenslustigem Clown und schwer vereinsamter Frau."
Berliner Morgenpost

"Swetlana Schönfeld hat einen Text, den sie wirken lässt, als sei er für sie geschrieben. Diese Schauspielerin kennzeichnet etwas, das nur wenigen gegeben ist: Sie kann doppeltönig sprechen. Es klingt, als stritten zwei Stimmen miteinander."
Berliner Zeitung

Ich bin ein Jude“ – dieser lapidare Satz, den der fremde Held der Geschichte, der Reisende, sagt, kippt das lustig-feine Spiel, das Lessing mit gerade einmal 20 Jahren geschrieben hat, in die bittere Realität unserer eigenen Geschichte.
Lessing benutzt durchaus gängige Theaterrequisiten: Eine Dose (nicht ein Brief) setzt die Enthüllungsintrige in Gang. Aber absolut neu, ja kühn vorausdenkend ist, wie Lessing seine Hauptfigur zeichnet. Eine Sensation und 1749 zugleich Anlaß für finstere Religionswächter: Zum ersten Mal in der Geschichte des Theaters betritt die Figur eines positiv gezeichneten Juden die Bretter des Welttheaters.
Ein Lustspiel über den Antisemitismus – ist das nicht eine Ungeheuerlichkeit? George Tabori verändert kein Wort des Textes und doch enthüllt das alte Lustspiel ein anderes Gesicht, wenn heute das grelle Licht der Gegenwart den Text bis in die feinsten Ritzen ausleuchtet.

Es war das Resultat einer sehr ernsthaften Betrachtung über die schimpfliche Unterdrückung, in welcher ein Volk seufzen muß.
Gotthold Ephraim Lessing

Der Witz des alten Zauberers Tabori ist gestisch-pantomimisch, der Witz des jungen Lessing rhetorisch-dramaturgisch. Beide fahren den Schauspielern in Geist und Glieder, und so entsteht das kleine Wunderwerk dieser Aufführung. Applaus.
Süddeutsche Zeitung

Romancier, Kinderbuchautor, Lyriker, Satiriker Drehbuchautor, Kabarettist – Erich Kästner führte mindestens sechs verschiedene literarische Leben. Kennen sich die sechs Kästners einander? Was sie gemeinsam haben, ist die einfache, verständliche Sprache voller Biss, Witz, Zorn und Frechheit.

Die Schauspieler sagen und spielen weit über 40 Couplets und Verse und Aphorismen aus dem schier unerschöpflichen Fundus des Kästnerischen Un- und Fein- und Tiefsinns. Sie rütteln an den Wörtern und rücken sie mit viel Witz und mit Unterstützung von Peer Neumann am Klavier in neue Zusammenhänge. Berliner Morgenpost

Dies ist ein ebenso unterhaltsamer wie aktueller Abend - schön Erich Kästner auf diese Art wieder zu entdecken! RBB Inforadio

„Hören Sie das?“ - - - „Na ja.“ Das sind Anfang und Ende einer ausschweifenden Rede, eines als unspielbar geltenden Textes von Rainald Goetz, bis der Schauspieler Jürgen Holtz kam. Er spricht und spielt das Zwiegespräch eines alten Mannes mit sich selbst, der in seinem eigenen Hirn spazieren geht. Es ist ein Wortschwall, ein Sturzbach, ein Spracherguß, eben ein KATARAKT, von hohen und niedrigen, geistigen und ganz banalen Dingen; viel Schlaues, viel Dummes; hin und her springend zwischen Philosophieren und Gelaber.
Jürgen Holtz, mal grimmig erbost über die eigene Beschränktheit, mal selig ergriffen auf unerwarteten Geisteshöhen, findet die Wahrheit in der Sprache, setzt aus der Summe der vermeintlichen Zufälligkeiten, der Masse des auf den ersten Blick nur Beliebigen etwas Eigenes, Spezifisches, Individuelles zusammen: Er formt aus dem Gerede einen Menschen.
KATAKAKT, der letzte Teil von Rainald Goetz` Trilogie FESTUNG, versammelt in elf Kapiteln ein planvolles wie konfuses Kopfinnenbild, wie es die Außenwelt gezeichnet hat.

„Schrecklich ist die Verführung zur Güte“ verkündet der Balladensänger. Das Ende der Geschichte scheint ihm Recht zu geben. Der verlumpte Richter Azdak, ein wahrer Eulenspiegel, verdreht Recht zu Unrecht, damit die Gerechtig­keit zum Zuge kommt. Die Magd Grusche darf Mutter bleiben, obwohl sie keine ist. Die leibliche Mutter, die reiche Gouverneursfrau, verliert, was sie im Stich ließ und wiederhaben will – ihr Kind. Ein Märchen, am Ende des 2.Weltkrieges geschrieben, behandelt „die Tödlichkeit des mütterlichen Verhaltens, wobei der Kapitalismus nicht verborgen bleibt.“ (Bertolt Brecht) Eine Volkstheater-Ballade über das Überleben in schlimmen Zeiten und über die richtige Unordnung im falschen Leben.

Ach, zum Tragen, spät und frühe / Ist zu schwer ein Herz aus Stein / Denn es macht zu große Mühe / Mächtig tun und böse sein.

Durchdacht, konzentriert und spannend. Die Darsteller überzeugen mit vergnügtem Nachdruck als farbig und genau gezeichnetes Ensemble. Dieter Montag agiert als schlitzohriger Richter Azdak wohltuend zurückhaltend und gönnt sich bloß beim Wodkatrinken deftiges Gebrüll. Die famose junge Anna Graenzer glänzt als beherzt-gerissene wie mitfühlend selbstlose Magd Grusche. Frankfurter Allgemeine Zeitung

„Das Käthchen ist’s! Wer sonst! Das Käthchen ist’s, / Das kleine Käthchen von Heilbronn!“
Eine Begegnung der besonderen Art widerfährt dem Grafen Friedrich Wetter von Strahl und dem Käthchen von Heilbronn: Sie begegnen einander im Traum. Während Käthchen fortan kein Weg zu weit ist, um in des Grafen Nähe zu sein, sträubt sich dieser mit ganzer Kraft gegen seine aufwallenden Gefühle. Wird Käthchens Liebe zum Grafen vom Strahl erhört und gibt es tatsächlich ein Happy End? Oder bleibt Kleists Utopie von der bedingungslosen, aufopferungsvollen Liebe, wie Zeit seines eigenen kurzen Lebens, ein Traum?

Die Regisseurin Simone Blattner inszeniert zum ersten Mal am BE, erstmals überhaupt in Berlin. 1968 in Basel geboren, hat sie nach dem Regie-Studium an der Münchner Falkenberg-Schule u.a. am Schauspiel Frankfurt und am Staatsschauspiel Dresden gearbeitet.

Es ist Abend. Am Tisch sitzen die Hochzeitsgäste und essen. Die Feier findet in der neuen Wohnung des Hochzeitspaares statt... Wenig später ist nicht nur die Wohnung ein Schlachtfeld.
DIE KLEINBÜRGERHOCHZEIT ist Brechts berühmtester Einakter, geschrieben 1919 – eine turbulent grelle Farce über die „Orgie der Hohlheit, der Langeweile, der Öde und der Vereinzelung“ (Brecht), die das Leben nicht nur diesem Paar beschert. Mit Philip Tiedemanns Inszenierung ist das Stück zum ersten Mal am BERLINER ENSEMBLE zu sehen.

Ein leichtes, zuckriges Vergnügen!
B.Z.

Wie aktuell Brecht doch heute ist!!!
Rüdiger H., Zuschauer, Düsseldorf

Büchner erzählt die wundersame Geschichte zweier Königskinder, die zusammenkommen, obwohl sie’s gar nicht wollen. Mehr noch: je sehnsüchtiger sie glauben, von ihrem eintönigen „Königsweg” abzuweichen, desto hoffnungsloser landen sie auf der vorgezeichneten Bahn: neue Pfade entpuppen sich als Kreisverkehr.
Und der ganze Staat gerät ins Wanken, wenn der König philosophiert, seine „Weisen” tanzen und der Hofstaat schläft. Dabei träumen alle von einer besseren Welt. Happy End?

Über meine Art von Theater muß man nicht viel reden. Es ist etwas, das man erlebt. Ich berühre zum Beispiel dieses Glas, und es ist kalt. Ich berühre den Tisch, und der ist wärmer. Darum geht es. Das, was ich erlebe, ist die Wahrheit. Theater ist etwas, das man erfährt, dieses Erfahren ist eine Weise zu denken. Man erlebt nichts direkt mit dem Verstand, sondern mit dem Körper.
Robert Wilson

Herbert Grönemeyer schrieb Musik und Liedtexte für die Schauspieler des BE und die siebenköpfige Band „Büchners Erben”.

LEONCE UND LENA handelt von der Unfähigkeit der Deutschen, über sich selbst zu lachen... Ich glaube, heutzutage haben wir das gleiche Problem wie Büchner: wir leben in schwierigen Zeiten, klar, aber wir sind genauso wenig in der Lage, über uns zu lachen, uns nicht ganz so ernst zu nehmen. Und vielleicht könnte das hier so ein erster Versuch sein.
Herbert Grönemeyer

Eine Wedekind-Revue im Pavillon Vom Liebeswahn zum Liebeskummer – vom Erdgeist bis zum Tantenmörder: Wedekind war kein „Kind von Traurigkeit“, oder doch? Ein geheimnisvoller Reigen von finsteren und durchsichtigen Gestalten geisterte in seinem Kopf – wie in seinem Leben herum. Diese Revue auf dem “Laufsteg” des Lebens mit viel Musik und Theater erzählt davon.

Christa Wolf hat 1996 den Medea-Mythos zu einem Gegenwartstext umgeschrieben, der zwischen Antike und Gegenwart changiert: Eine Frau, die sich einzig der Wahrheit verpflichtet fühlt, scheitert an den Menschen, die sie umgeben. Diese fühlen sich von der Fremden bedroht und distanzieren sich. Aus Angst lassen sie Medea zur Außenseiterin werden und stempeln sie zur Schuldigen ab. Jede Figur – Wolf nennt sie „Stimmen“ – hat ihre eigenen, glaubhaften Motive, dies zu tun. Der Gegenwart wird „der Prozeß“ gemacht, das heißt der Macht und den Männern. Der Mythos von der barbarischen Kindermörderin wird zur Geschichte einer aufgeklärten Frau, die zum Sündenbock einer verblendeten Gesellschaft stilisiert wird. Den Anfang der 90er Jahre entstandenen Text inszeniert die junge Regisseurin Tanja Weidner.

Es fesselt das intensive Spiel, das ein ganz neues, unabhängiges und modernes Bild von Medea zeichnet.
Berliner Morgenpost

Auf der Probebühne des Berliner Ensembles hat Regisseurin Tanja Weidner den 1996 erschienenen Roman von Christa Wolf in der passenden Schwebe zwischen dem Grund des Mythos in dunkler Vergangenheit und der jüngsten deutschen Geschichte und Gegenwart gehalten.
Oranienburger Generalanzeiger

George Tabori, in dessen Theaterstücken sich immer wieder die unmöglichsten Begegnungen ereignen, läßt in seiner Farce „Mein Kampf“ den fliegenden Buchhändler Schlomo Herzl auf einen jungen Mann aus Braunau am Inn namens Adolf Hitler treffen. In einem Wiener Männerasyl begegnen sie sich und sie teilen sich in den kalten Winternächten einen Mantel. Schlomo mag den jungen Hitler, aber seine Liebe und sein Geschichtenerzählen werden diesen gescheiterten Kunststudenten nicht von einer Weltkarriere als Würgeengel abhalten können. George Tabori nennt sein 1987 am Burgtheater uraufgeführtes Stück „einen theologischen Schwank“, in dem sich Witz und Tiefsinn, Poesie und Melancholie, grauenhafte Realität und brüllende Komik so leichthin mischen, wie es nur Tabori vermochte. „Mein Kampf“ – eines der schönsten Stücke von George Tabori.

Anna F., Mutter von drei Kindern, zwei Söhnen und der stummen Kattrin, schlägt sich als Geschäftsfrau durch den Krieg. Dabei verliert sie ihr Vermögen, ihre einzige (späte) Liebe und – ihre Kinder. Am Ende wird sie ganz alleine weiterziehen...
Der große Klassiker im Welttheater des Bertolt Brecht!

Claus Peymanns detailgenaue, werktreue Inszenierung ist von darstellerischer Brillanz, von klassisch vollkommener Größe. Brechts Theater erlebt am Schiffbauerdamm die triumphale zweite Geburt.
zitty

Diese Mutter Courage lebt in keiner und in jeder Zeit.
Deutschlandradio

Das Stück „Mutter Courage und Ihre Kinder“ von Bertolt Brecht, welches unter der Regie von Claus Peymann in Teheran aufgeführt wurde, hätte man unbedingt besuchen sollen! Jahrzehnte nach dem Tod dieses großen deutschen Schriftstellers, Regisseurs und Theaterkritikers Brecht brachte Peymann endlich ein Stück von ihm nach Teheran, so dass man alles, was über Brecht erzählt wird, aus der Nähe betrachten konnte.
Etemad Melli, Teheran 2008

In Maxim Gorkis NACHTASYL trifft die Hure auf den Moralisten, der Einfaltspinsel auf den Intellektuellen, der Christ auf den Moslem, der Künstler auf den Handwerker. Alle „Barfüßler“ vereint der Traum von einem besseren Leben. Jeder für sich und irgendwie doch gemeinsam verheddern sich in dem großen Lügengespinst aus Hoffnung und Trost.
NACHTASYL ist Gorkis wohl bekanntestes Drama und wurde 1902 von Stanislawski am Moskauer Künstlertheater uraufgeführt. Es hat das Leben selbst geschrieben, denn Gorki zog in den 90ger Jahren des 19. Jahrhunderts zu Fuß mit anderen Arbeitslosen und Hungernden – als die sogenannten Barfüßler – durch Rußland. In der deutschsprachigen Erstaufführung in Berlin 1903 spielte Max Reinhardt den Pilger „Luka“. Seit dieser Aufführung ist das Stück in Berlin „zu Hause“.

"Am Berliner Ensemble zeigt Langhoff Regie-Freude wie seit Jahren nicht mehr. Alexander Wolf hat für Maxim Gorkis NACHTASYL Drei-Stock-Betten und Pfandkästen auf die Bühne gestellt, den Rest besorgt das hervorragende Ensemble von 17 ge- und verlebten Charakterköpfen und jungen Talenten. Eine bestürzend bis putzige Pennerrevue in frecher Übersetzung. Hingehen!" B.Z.

Das Stück handelt von einem Juden, der seinen persönlichen Holocaust erlebt. Seine sieben Söhne sterben, verbrennen in einem Pogrom. Und dieser Nathan übt keine Vergeltung, keine Rache, sondern die Vernunft kehrt wieder. Und über die Vernunft das Vergeben. Und das ist die Botschaft, die dieses helle Stück in dunkler Zeit vermitteln kann. Ich denke, das muß man heute postulieren, das muß man heute predigen, damit es alle Ohren hören.
Claus Peymann

Peymann überzeichnet die Figuren ganz bewusst, setzt auf komödiantische Elemente – und sorgt mit seiner Inszenierung für ein bitteres Lachen der Erkenntnis, ganz im Sinn des aufklärerischen Theaters.
Herner Zeitung

Schillers Gespür für Kolportage paart sich mit französischem Esprit und Musikalität. Aus Picard wird Schiller und aus einer Salonkomödie des ausgehenden 18. wird ein politischer Krimi des beginnenden 19. Jahrhunderts.
Ein neuer Minister ist ins Kabinett berufen und tritt sein Amt an – Grund für die Ministerialbeamten, sich ihm als unentbehrlich darzustellen. Wer nach oben will, biedert sich an, zeigt sich eifrig, macht sich wichtig. List, Intrige, Lüge oder, anders gesagt, Manipulation, Networking, Mobbing sind die Mittel, um die eigene Karriere auf Kosten anderer voranzutreiben. Inkompetenz im Regierungsbetrieb geht rücksichtslos vor. „Die kriecherische Mittelmäßigkeit kommt weiter als das geflügelte Talent, der Schein regiert die Welt – und die Gerechtigkeit ist nur auf der Bühne“ schreibt Schiller. Am Ende verfängt sich der Parasit in den eigenen Fallen.
Ein kabinettreifes Lehrstück über Karrieristen.

Bei der Uraufführung 1868 saß Tout-Paris im Zuschauerraum, eine Gesellschaft deren offizieller Wahlspruch lautete „Bereichert euch!“. Bei Offenbach amüsierten sich die Halbwelt und der Hochadel, Politiker, Biedermänner, Lebedamen und feinen Damen, Snobs, Rentiers, Bankiers, Spekulanten, Hochstapler und Fabrikanten. Alle kamen. Offenbach führte sie vor als Operettenfiguren und alle vergnügten sich daran. Die Operette konnte nur entstehen, weil die Gesellschaft, in der sie entstand, operettenhaft war. Auch wenn Offenbach LA PÉRICHOLE im fernen Lima ansiedelte, verstand jeder, wo die Geschichte eigentlich spielte – in Paris, wo der Regierungschef einer Straßensängerin nachjagt. Dieser Regierungschef, dem alle zu Willen sein müssen, zwei willfährige Karrieristen, ein Ehemann wider Willen, sowie ein willenloses, alkoholisiertes Volk und eine Sängerin, die ihren Willen bekommt – das sind die Elemente, die Offenbach kräftig durcheinander schüttelt und aberwitzige Kapriolen schlagen läßt. Mit glamouröser Musik und schillernder Ironie wird allen Machtansprüchen in Politik und Liebe eine ebenso charmante wie deftige Absage erteilt.

"Die Straßensängerin braucht viele Farben - die Manzel hat sie alle. Sie gurrt und schnurrt, spielt virtuos auf der Klaviatur der anspielungsreichen Blicke und Gesten und beschämt manche Operetten-Diva durch makellose Intonation und geläufige Koloraturen. Die Manzel gibt dem Abend Schwung, doch sie ist nicht der Star, der alle überstrahlt. Das ganze Ensemble kann sich sehen lassen. Großer Applaus in Berlin." NDR-Kultur

„A liebt B, aber B liebt C, und C liebt ausschließlich C. In der Tat, was für eine Art Liebe wäre C’s Liebe, wenn C nicht ausschließlich C, sondern vielleicht noch B oder, gottbehüte, A lieben würde?“
Ein Mann liebt eine Frau und wartet darauf, daß sie ihn anruft. Ob sie ihn auch liebt oder geliebt hat oder ob sie nur eine Phantasie des Mannes ist, bleibt unklar. Während er auf ihren Anruf wartet, der natürlich nie kommen wird, sinniert er über die Lust und den Frust der einsamen Zweisamkeit und der zweisamen Einsamkeit der Menschen, über die Liebe, die Steuer und den Tod.

George Tabori hat einen großen Monolog voll Humor und Trauer geschrieben, und auf seine ausdrückliche Bitte hin inszeniert und spielt Martin Wuttke diesen Text im Berliner Ensemble.

Wuttke turnt, stolpert und kalauert herum, hantiert mit Taboris Zoten wie in einem Woody-Allen-Slapstick. Ein Zuschauerschmaus!
Financial Times

Tabori-Wuttke-Chor-Rausch im Foyer. Sehr zu loben ist der Frauenchor. Ich habe selten eine derart präzise und doch nicht monotone Instrumentation von kollektivem Sprechen erlebt.
A. Radebach, Zuschauerin

Mit dem Kriegsstück PHILOTAS reagierte Lessing auf die heroischen, patriotischen Tendenzen seiner Zeitgenossen anläßlich des Siebenjährigen Krieges (1756 – 1763). Sein Held, ein Jüngling, opfert sich auf für sein Land. Der totale Sieg muss es sein. Um jeden Preis soll der Gegner in die Knie gezwungen werden. Koste es, was es wolle und sei es das eigene Leben. Lessings Kritik des Fanatismus – oder an der Dummheit? – gewinnt angesichts unserer Kriege an Aktualität.

"Vor allem geht es um Krieg als dominantes Strukturelement einer militarisierten Gesellschaft - und um die Folgen dieser fatalen Orientierung. Sabin Tambrea zeigt mit schwärmerisch-ätherischem Charisma, wie die dem Philotas eingeimpfte Ideologie ihre zerstörerische manipulative Wirkung entfaltet: Vor den Vätern sterben die Söhne - und noch dazu gern. Das Stück, das Boris Jacobys mit minimalen Aufwand überzeugende Inszenierung zu vermitteln vermag, wird einfach zu selten aufgeführt." Frankfurter Allgemeine Zeitung

Richard, König von England, hat sein Land heruntergewirtschaftet, die Kassen sind leer, der Staat ein sinkendes Schiff. Seine korrupten Höflinge fallen von ihm ab. Richard verbannt seinen Cousin Bolingbroke aus England und bringt ihn um sein Erbe. Bolingbroke kehrt aus dem Exil zurück - und fordert sein Recht. Der neue ‚Saubermann’ entfesselt einen Bürgerkrieg. Im Untergang reflektiert Richard II. über sein Scheitern und die Grenzen politischer Macht. Er wird „zum Menschen“. Bolingbroke wird Heinrich IV., aber auch ihn beginnt die Macht zu zerstören. Im letzten Akt rollen die Köpfe, neue Bürokraten des Todes übernehmen die Regierung. Richard II., letzter degenerierter Vertreter eines gottgesalbten Königtums, wird im Tower gekillt. Shakespeares Tragödie in einer neuen Übersetzung des am 03.11.2001 verstorbenen Dramatikers Thomas Brasch.

„Claus Peymann triumphiert mit seiner Inszenierung von William Shakespeares RICHARD II. in Wien. Er ist eine Dekade nach seinem Abschied als Burgtheaterdirektor mit einem großartige inszenierten Historiendrama zurückgekehrt und hat das Ringen um die Macht hoch konzentriert mit beeindruckenden Szenen verdeutlicht.“ Die Presse

BE-Inszenierung im Repertoire des Wiener Burgtheaters.

Auch Clowns müssen lernen!
Und das fällt den drei „Helden der Manege“ Quaste, Wiesel und Schmaltz – und der staunenden Karfunkel – gar nicht leicht. Wenn dann noch der Lehrer, Doktor Sinn, besonders streng sein will, dann reizt das natürlich ihren Widerspruchsgeist. Und das führt bei Clowns naturgemäß zu einigen heiteren und turbulenten Katastrophen...
Der Karikaturist Friedrich Karl Waechter hat dieses so besondere, poetische Clownsspiel 1975 geschrieben. Der Schauspieler Boris Jacoby inszeniert es mit fünf Schauspielern im Pavillon, wo zuletzt auch Jewgeni Schwarz’ Kinderstück DIE VERZAUBERTEN BRÜDER aufgeführt wurde.

Im Berliner Ensemble ist es nach der letzten Kinderpremiere 2003 seit langem die erste Neuinszenierung für das ganz junge Publikum – und sie ist wunderbar gelungen.
Märkische Oderzeitung

„Der brave Soldat Schweyk, der bereits den ersten Weltkrieg überlebt hat, ist noch am Leben und unsere Geschichte zeigt seine erfolgreichen Bemühungen, auch den zweiten Weltkrieg zu überleben, Natürlich sind die Ideen und Pläne der neuen Herrscher noch größer und totaler als die der alten und so hat es der kleine Mann heute noch schwerer, halbwegs am Leben zu bleiben“ – Mit diesen Worten beginnt die Fabel vom Hundefänger und Überlebenskünstler Schweyk, die Brecht im amerikanischen Exil schrieb. 1939 marschiert Hitler in die Tschechoslowakei ein. Widerstand ist zwecklos. Auch die Stammgäste im „Kelch“ in Prag halten Wegducken und Kuschen für das beste Mittel, die deutsche Besatzung zu überstehen. Auch Schweyk entscheidet sich fürs Mitmachen. Aber seine Art, zuzustimmen und sich zu unterwerfen, irritiert Freund und Feind, sie scheint vergiftet. Listig oder dumm? Das ist die Frage. Jedenfalls hat Schweyk es raus, wie man überlebt. Nach dem Krieg um sechs sitzt er wieder im „Kelch“. Am Grunde der Moldau wandern die Steine. Es liegen drei Kaiser begraben in Prag. Das Große bleibt groß nicht und klein nicht das Kleine. Die Nacht hat zwölf Stunden, dann kommt schon der Tag. Nachdem die Gestapo im Wirtshaus „Zum Kelch“ in Prag eine Razzia gemacht und die Wirtin zusammengeschlagen hat, singt die Geschlagene dieses Lied – Trost in schlimmen Zeiten und voller Hoffnung auf Veränderung

Liebe – Haß, Sehnsucht – Überdruß, Leidenschaft – Langeweile, Männlichkeit – Weiblichkeit, Gesicht – Maske, Bewegung – Stillstand, Jugend – Alter, Leben – Tod... So unendlich viele Assoziationen zu Shakespeares SONETTEN. Die SONETTE werden nie an Geheimnis und Poesie verlieren. Robert Wilson, der zuletzt DIE DREIGROSCHENOPER im BE inszenierte, erweckt für seine Traumreise in den Kosmos Shakespeares 25 Sonette zum Leben. Er belebt sie mit Bildern und mit der betörenden Musik von Rufus Wainwright.

After the enormous success of THREEPENNY OPERA, Robert Wilson continues his work at Berliner Ensemble with the world premiere of SHAKESPEARE'S SONNETS. The Canadian songwriter Rufus Wainwright wrote the original music. Jacques Reynaud - as for THREEPENNY OPERA - designed the costumes. Staged in Berlin in 2009 four hundred years after the publishing of the sonnets, SHAKESPEARE'S SONNETS shows the poet more modern and alive than ever. For this performance Jutta Ferbers has selected twenty-five amongst the one hundred and fifty-four sonnets written by Shakespeare, accepting the challenge to stage one of the English playwright’s rare works which was originally not written for the theatre. Wilson’s direction – in the usual perfection – plays ironically by mixing the genres. The extraordinary actors of the Berliner Ensemble act and sing: Anke Engelsmann, Traute Hoess, Ursula Höpfner-Tabori, Sylvie Rohrer and Georgios Tsivanoglou together with the young “stars” of the Ensemble Christopher Nell, Christina Drechsler, Anna Graenzer, Dejan Bućin, Sabin Tambrea and the legendary actors Inge Keller, Jürgen Holtz and Ruth Glöss bring the Bard’s immortal lines onto the set. Georgette Dee – famous German cabaret performer accompanied by an “angel” (Winfried Goos) – completes the set as master of ceremonies… Wilson stages several Shakespearean characters, from boy to fool, from Cupid to the mysterious dark lady, from the Queen of England to Shakespeare himself.
The director’s ability to “tell” the story by means of images puts himself at the service of Shakespeare’s verses. The music of Rufus Wainwright, who for this “opera” has invented different musical styles that contribute to accompanying the audience on a dreamlike journey beyond time.
Shakespeare: light and dark - a stage première which is already a classic.

"Nichts tun – das ist so schlimm wie mittun!"

Der Aufschrei eines jungen Priesters, der erkennt, dass die Mühlen der katholischen Kirche nicht aufzuhalten sind, dass Humanismus und Kirchenpolitik wenig miteinander zu tun haben in Zeiten der Angst und des Faschismus.

Das berühmte Theaterstück, von Rolf Hochhuth mit größter Sorgfalt recherchiert, erzählt die Geschichte eines jungen, katholischen Priesters zwischen Berlin und Rom in den Jahren 1942/1943. Opportunismus und Kleinmütigkeit, taktisches Lavieren und politisches Kalkül verschleiern, verdrängen die Realität. Und am Ende des Weges steht der Papst, der Stellvertreter Gottes, – und schweigt.

Hochhuths aufwühlendes, viel umstrittenes Theaterstück über die Rolle der Kirche bei der Vernichtung der Juden – am Berliner Ensemble mit Hans-Michael Rehberg als Papst, Konrad Singer als Pater Riccardo, Michael Maertens/Rainer Philippi als SS-Kommandant Gerstein und Uli Pleßmann als Kardinal.

Philip Tiedemanns Inszenierung ist in den zentralen Partien hoch und bis in die Nebenrollen vorzüglich besetzt.
Frankfurter Rundschau, Peter Iden

Tiedemanns Inszenierung fesselt als künstlerisch überzeugend verdichtete Absage an jede Form von Terror.
Sächsische Zeitung

Alice und Edgar tanzen ihren Reigen, ihren 25 Jahre währenden Ehe-Reigen. Sie umkreisen sich, sie belauern sich und sie schlagen zu, wo sie können. Als sie heirateten, gab Alice ihre Karriere als Schauspielerin auf, Edgar wurde Hauptmann bei der Artillerie – doch dies war schon das Ende seines hoffnungsvollen Berufsweges. Seit 25 Jahren leben sie in ihrem Turm auf einer Insel, die die Leute die „Kleine Hölle“ nennen, und tanzen. Und manchmal tanzt ein Dritter mit. Diesmal ist es Kurt, der Cousin von Alice. Beide, Edgar und Alice, versuchen ihn jeweils auf ihre Seite zu bringen – so schön war ihre Ehehölle noch nie.
August Strindbergs 1900 entstandener TOTENTANZ ist das Urdrama aller Ehedramen – Ehedramen, an denen sich im Innern bis heute nichts geändert hat. In seiner „Alice“ zeichnet Strindberg eine der ersten emanzipierten Frauenfiguren.

Dieses schlicht großartige Trio Dagmar Manzel, Dieter Mann, Götz Schubert erfüllt alle hoch gespannten Erwatungen. – Die Ehe mag zwar die Tragödie sein, daran lassen Manzel, Mann und Schubert keinerlei Zweifel. Doch die Welt da draußen, das ist die Hölle. Eine göttliche Tröstlichkeit, die Langhoff ungeniert zärtlich mit ungeniert grausamen Zwischenschlägen am Rande der Groteske inszeniert.
Die Welt

Man macht sich auf, um den Sommer auf dem Land zu verbringen. Dort gilt: Wer hat, der hat! Das neueste Kleid, das größte Fest, das beste Essen, der richtige Liebhaber. Das „dolce vita” kostet Goldonis Sommerfrischlern viel Kraft und Geld. Jeder lebt über seine Verhältnisse... Doch was wie eine Komödie beginnt, endet in einem Desaster: Unglückliche Ehen, Schulden, Depressionen – einsame Menschen, wie in Anton Tschechows Theaterstücken bleiben am Ende sich selbst und ihrem trostlosen Alltag überlassen.
Das Lustspiel über Menschen, die über ihre Möglichkeiten leben – emotional und finanziell.

Verwoben in die abenteuerliche Entsehungsgeschichte des Jahrhundertwerkes DIE DREIGROSCHENOPER ist diese „Ausgrabung" ein besonderer musikalischer Leckerbissen: das von Kurt Weill autorisierte Arrangement der Dreigroschenoper-Musik für Violine und Klavier durch Stephan Fränkel.

Diese Rarität zeigt, dass die Musik bereits 1929 so bekannt, so populär war, dass sie sogar in das Repertoire der Kaffeehäuser einging. Diese Popularität führte allerdings nicht zu einer simplen Vermarktung; Fränkel hat ein sehr raffiniertes und virtuoses Arrangement geschrieben, dass den populären Songs und Zwischenmusiken noch einmal einen ganz besonderen Reiz zukommen lässt.

UND DER HAIFISCH, DER HAT ZÄHNE ist keine bloße Aneinanderreihung von Texten, Musiken und Songs, sondern verschränkt Wort und Musik mit einer Handlung, die ein kleines Stück entstehen lässt. Der Abend ist die Weiterentwicklung eines szenischen Versuches des Nachtcafés, der zum Kurt-Weill-Fest 2001 in Dessau mit Erfolg heraus gebracht wurde.

ESTRAGON: Komm, wir gehen.
WLADIMIR: Wir können nicht.
ESTRAGON: Warum nicht?
WLADIMIR: Wir warten auf Godot.
ESTRAGON: Ach ja.

Wladimir und Estragon, zwei Menschen ohne Geschichte, treffen sich jeden Tag im Nirgendwo, um auf Godot zu warten. Nur wissen sie nicht, wer Godot ist, was er von ihnen will oder sie von ihm, und ob er über­haupt jemals kommen wird. Oder wer Pozzo und Lucky sind – der eine ein Herrscher und der andere ein Diener – und warum sie ihnen immer wieder begegnen. „In dieser ungeheuren Verwirrung ist eines klar: Wir warten darauf, daß Godot kommt“, sagt Wladimir zu Estragon.

George Tabori hat sich immer wieder mit Samuel Beckett beschäftigt – in München, in Bochum, in Wien.
2006 hat der große Theaterzauberer Tabori erneut WARTEN AUF GODOT inszeniert, das Jahrhundertstück Samuel Becketts, der am 13. April 2006 100 Jahre alt geworden wäre: mit melancholischem Witz und heiterer Traurigkeit warten die beiden Clochards Wladimir und Estragon wieder auf Godot, auf die Nacht, auf die Erlösung...

Warten auf Godot wird, was es für Tabori ist: die wunderbar befreiende Zerstreuung.
Generalanzeiger Bonn

Wer es noch nicht wusste, erfährt bei dieser Tabori-Inszenierung, dass „Warten auf Godot“ eine veritable Komödie ist, eine Clownsnummer mit wunderbar leichthändiger, zärtlicher Melodie.
Der Tagesspiegel

Am 21. Dezember 1935 starb der Schriftsteller und Satiriker Kurt Tucholsky in Göteborg, in seinem Exil. Die Nationalsozialisten hatten 1933 seine Werke verbrannt und ihn aus Deutschland ausgebürgert.
Aus Verzweiflung über die Entwicklung seines Heimatlandes nahm Tucholsky sich das Leben.
Zu seinem 70. Todestag ist im Dezember 2006 dieser Abend entstanden, der mit großer Heiterkeit und ebenso tiefer Wehmut an den großen deutschen Dichter erinnert.
Auf dem Programm: Tucholsky-Vertonungen von Hanns Eisler, Friedrich Hollaender, Peter Janssens, Henry Krtschil und Rudolf Nelson, aber auch reichlich „originaler“ Tucholsky wie der „Klassiker“ Ein Ehepaar erzählt einen Witz und Gedichte, Briefe kuriose „Schnipsel“...

„Wenn ihr selbst, Dorfrichter Adam, den Krug zerschlagen hättet, könntet ihr nicht eifriger allen Verdacht von Euch auf jenen jungen Mann hinwälzen als jetzt.“ Wie wahr die Aussage des strengen Gerichtsrats Walter tatsächlich ist, weiß nur der angesehene Dorfrichter Adam selbst. Schließlich war er es, der versucht hat, sich die Jungfer Eve gefügig zu machen, um dann auf der Flucht vor dem gehörnten Verlobten den Krug zu zerbrechen. Jetzt ist Gerichtstag und vor ihm stehen eine aufgebrachte Frau Marthe Rull mit dem zerbrochenen Krug und Tochter Eve und deren Verlobter Ruprecht mit seinem Vater. Marthe beschuldigt Ruprecht ihn vermeintlich spätabends „in flagranti“ bei ihrer Tochter Eve im Zimmer überrascht zu haben, wobei der wertvolle Krug zerbrochen ist. Täter und Richter zugleich, redet und richtet sich Adam wegen Eve um Kopf und Kragen...